央美毕业季：用作品“发声”

1200余件作品让校园变身“大美术馆”——

央美毕业季：用作品“发声”

　　师说

　　“又一年，又一批，离了学校，进了社会。社会复杂，哪儿都一样，对谁也都一样，要自学。所以，心态要包容，精神要独立，自信而不自私，做人要单纯，思考不要简单。人生有限，挑有价值的事做，但是大家都能做的事，势必平庸。”——马路（中央美院造型学院院长）

　　“在你们即将进入‘真实世界’之前，我更希望看到的是，你们真正在精神上接通了中央美术学院的血脉，这种血脉就是央美的人文精神，她是一种根植于内心的素养，这种素养是对理想的坚守，她会使我们在弥漫于整个社会的浮躁中还能在心底保留一方净土，抱持赤诚和对美好未来不灭的希望。”——王中（中央美院城市设计学院院长）

设计学院毕业生钱璐将创作聚焦《本草纲目》

　　打通壁垒，集体“发声”

　　68只“羊儿”在美术馆门前的草坪上，有的闷头吃草，有的母子相依，全都“萌萌哒”；美术馆西边的水池旁边，一位高达4米的“胖姑娘”身穿淡橙色舞衣，弯腰致意的样子温暖且有喜感；美术馆里，排风口、墙角、二层到三层通道的白色墙面上，投射着长长一排行走的微小人影，仔细一瞧，他们有的背着大包、有的领着孩子，不禁让人想起多年前的一部儿童剧《羚羊号历险记》……随时随地与作品“相遇”，正是中央美术学院2016毕业季活动的举办初衷。今年的主题是“发生·发声”，率先登场的1200余件作品来自近日正式挂牌的“研究生院”的376名2016届博士、硕士研究生，他们借中国画、油画、版画、雕塑、壁画、实验艺术、设计、建筑设计等不同媒介“发声”，将校园变身“大美术馆”。

　　几年前，毕业生作品展有“博士不如硕士，硕士不如本科”的怪现象；对此，中央美术学院副院长苏新平坦言：“过去大家的评价的确是这样，这跟早些年扩大招生有关。但从近两年开始，情况已经反转过来了，而且整体水平也得到了很大提升”。具体就今年的毕业作品而言，他指出，创作的专业属性在淡化，更多地呈现出跨界的实验性：例如版画系的学生同时也会尝试国油雕壁这些传统技艺，或融入科技等其他元素。“这一点是未来中国乃至全世界艺术发展的必然趋势，也与此次中央美术学院成立研究生院有一定的关系。”苏新平说，“优秀毕业作品的特质，首先是完成度，这不光是指作品本身是否面面俱到，更要看学生整体的人文素养；其次是独特性，因为从艺术史的角度来讲，怎样的作品才能在艺术史上被书写，核心的问题是要看思想上、创作语言上是否足够独特”。

独立体察生活，突破艺术惯性

　　许载舟的油画《开往苹果园》，描绘地铁车厢中戴着硕大黑色口罩、低头看手机的白领；郑巧思的油画《花朵儿1》，成排站好的学舞小姑娘身穿粉色的裙子，个个脸上却都捂着已从白变灰的口罩……身处现代都市，以智能手机带来的生活之变、雾霾、归途等主题入画早已不鲜见，但再细看看，《开往苹果园》中完全分辨不出表情的“低头族”与她身后广告上幸福甜蜜的俊俏男女，形成了别有意味的对比；《花朵儿1》里，小姑娘们身后的背景是一幅传统山水画，给恼人的雾霾平添了几分诗意朦胧。

　　成长与思乡，亦是毕业展的关键词，而创作手法兼具传统与现代，以及跨界的频频出现，则具体印证了苏新平的总结。

　　壁画系牡丹的《牧》，以画笔引观者向她念念不忘的家乡，“2000年，我离开额济纳到城市生活，转眼已有十几年的时间，但无垠的戈壁永远是我心头的最爱，因为童年、少年时的所有记忆都关于那里。”牡丹告诉记者，记忆忽远忽近，但只要拿起笔画下羊群、骆驼、胡杨林，她就能重拾往日的一片静谧。

　　“2008年，母亲在家乡兰州开始经营一家招待所，地处市中心，总共有28间客房。在这里，每天都会有各种人入住，于是便有了他们的夜晚和故事。五年后，因租金上涨，三和招待所停止营业。创作截取所见记忆，用视觉表达所想，关于欲望与生存的疑问及思考。”刘攀如此阐释他的毕业作品，以《三和招待所》为主题，他创作了32幅绘画和一件影像作品，并包办了影像中的原创音乐——绘画的色彩、影像的黑白与电子音乐节奏的迷幻中，人们或许会对房间里的故事展开“脑补”，或许会疑惑：这还是记忆中的家乡吗？

　　作者以作品“发声”，观者也需多一份耐心的静听。最初面对方列丰的《生长的家》——一间小展室的墙面上，贴着一个月间他每天拍摄的自己的指甲——忍不住想感慨一句“真不愧是搞实验艺术的”，但一张张照片连续地看下来，指甲上方尖尖的部分像是家的屋顶；十指连心，随着指甲地生长，侧面不时出现的破口又让人跟着揪心。“从18岁开始，因为父母关系不好，加上我青春期的叛逆心理导致跟父亲的冲突，就跑到了很远的地方上学，从那以后，每年回家的次数少得可怜。在少不更事的年纪，离家对我来说是一种逃脱，而现在家却成了我最在意、最渴望、最魂牵梦萦的精神场所。”方列丰告诉记者，2015年夏天，他有了在指甲上长出一个“家”的想法：先雕刻出屋顶，随着指甲慢慢生长，逐渐形成整个家的造型。指甲的脆弱、生长的缓慢和维护它的艰难，正好反映了自己多年漂泊的心境和对家的渴望。这个想法一直搁置，因为始终没有做好准备面对它带来的“麻烦”——“我一直处在‘做艺术’的思维惯性中，直到今年4月，我把这个想法告诉导师宋冬，他鼓励我去表达；是他让我意识到，应该抛开‘艺术’的概念，用心体会和反思自己的问题。指甲上的‘家’，脆弱而不易维护，这一个多月来很多人建议我去考察民间护甲方法，我却不这么看——家就是这样的，不像期待中的那么美，甚至是千疮百孔的，但仍然让我们深爱、让我们用尽一切力量去维护。未来，我也会一直把这个‘家’带在身上，更希望我的父母能够看到，虽然实验艺术的表现方法他们未必懂得，但这份心，他们一定会懂。”

设计融入人文思考 学传统需表里结合

　　与传统展陈方式不同，此次毕业生作品展中的大部分作品，说明一栏中都加入了二维码——扫一扫，便能看到创作者的阐释，更全面地了解作品“发生”的全部过程；与以往“学院派”的阳春白雪不同，更多的工作经历，也让毕业生的创作赤诚、纯净的同时，思路更为开阔，也更脚踏实地。

　　美术馆门口那68只萌物的“羊倌儿”名叫刘绍栋，他说起自己在北京郊区工作室做雕塑时，酷爱跟放羊的大爷聊天，更爱观察羊儿们，甚至自己还买来几只养。“随着对它们的观察，我对羊越来越感兴趣，它们和我一样，都生活在北京的周边，同时又都是社会链条的一部分。大家比较喜欢在艺术作品里表现马，却少有人表现羊，于是我就用自己的这套作品‘关怀’了一下温顺、干净、可爱的它们。”刘绍栋说。

　　“获得第一个刺青之后，我知道自己变得不一样了。刺青如此痛苦又特别，它具有独一无二的设计感。客人们到我的工作室，带来一个故事，带走一个刺青。我的身份是设计师，也是刺青师；是倾听者，也是记录者。”王雅琳的《骨刺 Spinal Tat》是一组作品，如果说一整面排满刺青针的墙，还让人有些恐惧的话，那看到厚厚几本笔记中，对刺青历史、纹样、流程等诸多问题细致入微的记录，乃至《雪》《旗》《兼职咖啡店》《伤疤》《表情包设计师》等关于客人或感动或遗憾的一个个故事，则完全打破了对刺青的固有“成见”。

　　刘馨元用尼采的诗句给自己的作品命名——《每一个不曾起舞的日子，都是对生命的辜负》，表现对象却是特别“接地气”的广场舞。“广场舞曾经引起了一些冲突和争议，起初我也厌恶广场舞的高分贝音乐，但经过很多的走访、调研之后，我开始理解那些阿姨们：她们多是独生子女的母亲，孩子长大后，生活的寂寞和空虚，只能通过跳舞来弥补。”刘馨元对记者说：“设计师理应是关注时代、社会和生活的，作为中国独有的视觉现象，广场舞应该被怎样的设计语言来表现，是我这次创作的出发点。作品里，对设计语言的探索以新的时空关系为基础，广场舞给我最大的感受是持续舞动，因此我利用特定的算法编程，设计出永远不重复、永远播放不完的实验性动画。另外，我还将舞者的形象用可爱的形式呈现出来，把扰人的音乐去掉，希望观众在我的作品面前，能够思考一下对待广场舞的态度，并消解大家对广场舞的不良情绪。”

　　与王雅琳、刘馨元同样来自设计学院的钱璐，将创作聚焦《本草纲目》。“它先以部为纲，以类为目；再以类为纲，以各个品物为目；最后在每种物品之下，以物品为纲；每一项品物之下，又有正名、释名、集解、修治、气味主治、正误、附方和附录等项，分类细致、详略得当、条理清晰。”在钱璐看来，当下中国设计在向传统学习时，应更加重视古人造物的结构性内核，而不只是停留在表面的符号形式上；将表里相结合，才能真正温故而知新。“最初引起我兴趣的是古籍纯净匀齐的排版和极具适应性、灵活多变的删格。此后我梳理了《本草纲目》整部书的信息层级和编辑分类结构；并对书籍的页面版式量化分析，引入现代设计网格的概念，同时借鉴的还有欧洲经典书籍版式的分析方法。”钱璐如是说。